Ricardo Curto

06 CAPA 1: RITMO PARTE 5 Ricardo explica qué es el swing y cómo usarlo. Para ello crea diversos ejemplos prácticos donde aplica swing tanto a nivel de corcheas como de semicorcheas, y compara el efecto que se obtiene al utilizar distintas intensidades del mismo o al desactivarlo y activarlo. Finalmente, explica qué elementos pueden acentuar aún más el swing en el groove.

07 CAPA 1: RITMO PARTE 6 Con el objetivo de hacer más humana y orgánica su música, Ricardo explica cómo usa el concepto de placement. Adelantando y atrasando las notas respecto al pulso, Ricardo crea un ejemplo práctico con placement en un groove partido. Además, explica como usar placement para reducir la altura de los transientes de los elementos percusivos que se solapan en el mismo instante de tiempo.

08 CAPA 2: ARMONÍA PARTE 1 Para comenzar la segunda capa, Ricardo se sienta al piano y nos introduce al mundo de la armonía. Comienza explicando los fundamentos del teclado, detallando una breve historia de la armonía y su definición. A continuación define los intervalos, o distancias, entre las notas, explica los conceptos de disonancia y consonancia en los mismos, y define los acordes triada y cómo se definen las escalas mayores y menores.

09 CAPA 2: ARMONÍA PARTE 2 Volviendo al DAW, Ricardo explica cómo crear una pista de teoría y comienza eligiendo la tonalidad, escribiendo su escala mayor correspondiente y armonizándola con acordes triada. Continúa explicando una regla nemotécnica para recordar el orden de los acordes mayores y menores en la escala y explica por qué decide no usar el acorde disminuido. Finalmente reordena la escala mayor para hacerla menor y explica los pasos a seguir para crear progresiones de acordes que funcionen.

10 CAPA 2: ARMONÍA PARTE 3 Ricardo explica cómo jugar con las notas de los acordes para crear variedad. Primero detalla cómo eliminar la quinta para crear acordes de sólo dos notas, continua explicando cómo realizar inversiones, cómo guiar las voces de un acordes al siguiente y cómo doblar las voces en distintas octavas. Finalmente, transmite la idea de pensar en los acordes cómo áreas sonoras, generando una gran libertad en la colocación de sus notas en distintas texturas.

11 CAPA 2: ARMONÍA PARTE 4 A partir de los acordes de tres notas, Ricardo explica el uso de la séptima para crear cuatriadas y armoniza la escala con ellas. A continuación explica cómo crear una plantilla para poder pasar rápidamente a otras tonalidades, crea una progresión de acordes con cuartriadas y finalmente aplica en ella diversas técnicas para crear variedad e interés.

12 CAPA 2: ARMONÍA PARTE 5 Para añadir aún más riqueza a los acordes, Ricardo explica el uso de las tensiones en los acordes: novena, oncena y trecena. A continuación elabora una plantilla con la escala armonizada al completo, con triadas, cuatriadas y tensiones, y crea un ejemplo de progresión de acordes con tensiones. Finalmente aplica de nuevo técnicas creativas para crear variedad e interés en las progresión con tensiones.

13 CAPA 2: ARMONÍA PARTE 6 Adentrándose en conceptos más avanzados, Ricardo explica cómo crear progresiones de acordes más interesantes combinando varias tonalidades a la vez. Para ello, y siempre acompañándose de diversos ejemplos prácticos, explora en profundidad dos conceptos: intercambio modal, y su uso junto con acordes con tensiones; y paralelismo, haciendo hincapié en cómo mover las voces para evitar el sonido sampler.

14 CAPA 3: MELODÍA PARTE 1 Ricardo comienza la tercera capa hablando de la relación existente entre melodía y armonía, y habla de los factores que determinan que una voz sea percibida como melodía. A continuación, sobre una progresión de acordes, explica cómo obtener las notas disponibles con las que elaborar la melodía y realiza un ejemplo práctico. Finalmente explica cómo usar notas de fuera del grupo de notas disponibles, incluyendo notas de fuera de la tonalidad, para dar más interés a las melodías.

15 CAPA 3: MELODÍA PARTE 2 Una vez habiendo explicado qué notas suenan bien en cada acorde, Ricardo explica como crear motivos, lo que diferencia a éstos de las melodías through-composed y enseña cómo crear nuevos motivos a partir de los anteriores usando técnicas de desarrollo motívico. Finalmente explica cómo usar varias melodías a la vez, realiza un ejemplo práctico con seis melodías simultáneas, y termina explicando la función de la melodía más grave: el bajo.

16 AHORA CREA TU PROPIO SONIDO Ricardo anima a los nuevos productores y compositores a crear su propio sonido. Para ello cree que es fundamental inspirarse de la música de los artistas que más nos gustan, analizarla, y seleccionar elementos de cada una de las capas: ritmo, armonía y melodía, que incorporar a nuestra propia música. Ricardo explica cómo uniendo nuestra propia esencia al análisis de música existente podemos crear un sonido único.